5 fatti su James McNeill Whistler, l’artista americano che fece “arte per l’arte”

James Abbott McNeill Whistler Ritratto

James McNeill Whistler, “Composizione in grigio: Ritratto dell’artista”, ca. 1872 (Foto: Wikimedia Commons Public domain)

Nel 1871, l’artista americano James McNeill Whistler completò uno dei quadri più famosi della storia dell’arte. Conosciuto come Arrangement in Gray and Black No. 1 o Portrait of the Artist’s Mother, la semplicità e la composizione semplice di questo dipinto ha affascinato gli spettatori per quasi 150 anni. Anche se quest’opera è forse la creazione più famosa di Whistler, non è l’unica cosa che vale la pena conoscere dell’artista; la sua storia personale include case all’estero, conflitti con gli amici e persino un combattimento tra pavoni.

Vuoi saperne di più su questo pittore? Ecco cinque fatti su James McNeill Whistler.

Ha sviluppato un interesse per l’arte quando era un ragazzo che viveva in Russia.

Ritratto di James McNeill Whistler

William Edward Kilburn, dagherrotipo di James McNeil Whistler, circa. 1847-1849 (Foto: Wikimedia Commons Public domain)

Nel 1834, James Abbott McNeill Whistler nacque a Lowell, Massachusetts, città alla quale avrebbe poi rinunciato. “Io nascerò quando e dove sceglierò, e non scelgo di nascere a Lowell”, dichiarò nel 1877. Anche se rifiutare il suo luogo di nascita può sembrare strano, Whistler ha condotto uno stile di vita internazionale fin da quando era un ragazzo. Dopo essersi trasferito nel Connecticut nel 1837, la sua famiglia si trasferì a San Pietroburgo, in Russia, quando Whistler aveva solo 8 anni.

Durante il suo periodo a San Pietroburgo, Whistler scoprì e sviluppò il suo talento artistico. Dopo due anni all’Accademia Imperiale delle Arti, lui e sua madre si trasferirono a Londra, dove studiò fotografia e arte in modo informale sotto suo cognato. Quando tutto lasciava presagire una carriera artistica di successo, i piani di Whistler cambiarono nel 1849: suo padre, un importante ingegnere, morì di colera e la sua famiglia tornò nel Connecticut.

Pensò di diventare ministro, di entrare nell’esercito e di lavorare come cartografo prima di studiare arte a Parigi.

Mappa di James McNeill Whistler

James McNeill Whistler, Mappa dell’emisfero occidentale (dal libro di schizzi), 1851 (Foto: Metropolitan Museum of Art Public domain)

Dopo la morte del marito, la madre di Whistler iscrisse il figlio in una scuola preparatoria diretta da un reverendo. Mentre lei sperava che questo portasse a una carriera nel clero, Whistler passò il suo tempo a disegnare cartoni animati e alla fine entrò alla scuola militare, che poco dopo abbandonò.

In seguito, Whistler lavorò come cartografo militare e marittimo. Anche se le sue opere disegnate con abilità erano promettenti, le consegnava quasi sempre in ritardo. Aveva anche l’abitudine di riempire le sue mappe con sirene, mostri marini e altre creature mitiche, cosa che alla fine gli costò il lavoro.

Dopo questi progetti falliti, decise di fare dell’arte la sua professione. Nel 1855, si trasferì a Parigi, dove studiò arte (sia in ambienti accademici che per proprio merito). Anche se trascorse i suoi primi tre anni nella capitale francese vivendo nella decadenza e sottovalutando le sue capacità, Whistler cominciò a prendere sul serio la sua pratica nel 1858, quando entrò nella cerchia sociale del maestro realista Gustave Courbet.

Dà ai suoi quadri titoli ispirati alla terminologia musicale.

Pittura di James McNeill Whistler

James McNeill Whistler, “Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket”, 1875 (Foto: Wikimedia Commons Public domain)

Nei dieci anni successivi, Whistler si fece un nome sia a Parigi che a Londra (città in cui si trasferì nel 1859) con i suoi dipinti tonali. Servendo semplicemente come studi di colore e privi di significati sottostanti, queste opere illustrano l’interesse di Whistler nel creare “arte per l’arte”. Questo approccio distaccato all’arte è una delle cose per cui l’artista è ricordato, insieme alla sua tendenza a dare nomi musicali ai dipinti.

“Notturno”, “armonia” e “sinfonia” sono solo alcuni dei termini che Whistler scelse di includere nei suoi titoli. Ispirato dalla convinzione che “la musica è la poesia del suono, anche la pittura è la poesia della vista, e il soggetto non ha nulla a che fare con l’armonia del suono o del colore”, l’artista iniziò a dare ai suoi dipinti titoli lirici nei primi anni 1870, con Arrangement in Grey and Black No. 1 che è uno dei primi esempi e uno dei più famosi.

C’è un arrangiamento in grigio e nero n. 2.

La madre di Whistler's Mother

James McNeill Whistler, “Arrangement in Grey and Black no.No. 1”, 1871 (Foto: Wikimedia Commons Public domain)

Arrangement in Grey and Black No. 1 è un ritratto della madre dell’artista, Anna McNeill Whistler, che aveva 67 anni. Fu completato nel 1871, cinque anni dopo che la madre di Whistler decise di raggiungerlo a Londra.

Oltre a mostrare l’approccio di Whistler al colore, che esplorò attraverso la forma e la composizione, questo quadro austero illustra anche la percezione che l’artista aveva della sua pia madre, la cui presenza a Londra – che fino ad allora era lo scenario del suo stile di vita bohemien – descrisse come un “disturbo generale” in una lettera al collega e amico Henri Fantin-Latour.

Con la sua composizione di base, il soggetto mondano e la tavolozza di colori cupi, molti dei contemporanei di Whistler criticarono l’opera. Tuttavia, per Thomas Carlyle, storico, satirico, filosofo e matematico scozzese, furono proprio queste qualità a renderlo memorabile. Questo lo portò a commissionare a Whistler Arrangement in Grey and Black No. 2, un ritratto molto simile con protagonista Carlyle.

Arrangement in Grey and Black No. 2

James McNeill Whistler, “Arrangement in Grey and Black No. 2,” 1873 (Foto: Wikimedia Commons Public Domain)

“Gli piaceva la semplicità, la vecchia donna seduta con le mani in grembo, e disse che sarebbe stato dipinto”, spiegò Whistler. Una mattina arrivò presto e si sedette, mentre io avevo la tela pronta, i pennelli e la tavolozza, e Carlyle disse: “E ora, mon, spara!””

La sua vita fu piena di conflitti e lotte.

La Sala del Pavone

La Sala del Pavone (Foto: Wikimedia Commons CC BY-SA 2.0)

Mentre la collaborazione di Whistler con Carlyle si rivelò fruttuosa (Arrangement in Grey and Black No. 2 è uno dei suoi ritratti più importanti), le relazioni non erano buone per lui. Infatti, spesso litigava – e addirittura smetteva di parlare – sia con gli amici che con i colleghi artisti. Esempi famosi includono Courbet (che fece scalpore quando dipinse la sposa di Whistler nuda nel 1864); William Merritt Chase (che chiamò Whistler un “vero tiranno”); e il critico d’arte John Ruskin (che Whistler citò in giudizio per diffamazione dopo aver paragonato la sua arte a “gettare una pentola di vernice in faccia al pubblico”).

Tuttavia, la lite più famosa di Whistler fu con Frederick Richards Leyland. Leyland, un magnate inglese delle spedizioni, possedeva una prolifica collezione di porcellane cinesi. Negli anni 1870, incaricò l’architetto Thomas Jeckyll di progettare e creare una stanza nella sua casa di Londra per esporre questi articoli. Tuttavia, quando Jeckyll cominciò ad avere problemi di salute mentre Reyland era fuori città, Whistler fu invitato al progetto, e immediatamente tutti i piani precedenti furono abbandonati.

“Beh, ho continuato a dipingere”, ha ricordato. “Sono andato avanti, senza disegno o schizzo, mettendo ogni tocco così liberamente … E con l’armonia in blu e oro che si sviluppava, ho dimenticato tutto nella mia gioia”. Tuttavia, quando Leyland ha saputo delle libertà che Whistler si era preso, non ha condiviso questa gioia. Infatti, si rifiutò di pagare Whistler per intero. Whistler, a sua volta, rispose adornando la stanza con Arte e Denaro; o la storia della stanza, un murale simbolico con due pavoni che combattono.

Parte della collezione della Smithsonian Institution dal 1906, la stanza dei pavoni è ora appesa nella Freer Sackler Gallery di Washington, D.C, dove rimane la star della collezione e, in più di un modo, un simbolo della vita e della carriera di Whistler.

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