5 faits sur James McNeill Whistler, l’artiste américain qui faisait de « l’art pour l’art »

James Abbott McNeill Whistler Portrait

James McNeill Whistler,  » Composition en gris : Portrait de l’artiste », ca. 1872 (Photo : Wikimedia Commons Public domain)

En 1871, l’artiste américain James McNeill Whistler a achevé l’un des tableaux les plus célèbres de l’histoire de l’art. Connu sous le nom d’Arrangement en gris et noir n° 1 ou de Portrait de la mère de l’artiste, la simplicité et la composition simple de ce tableau ont captivé les spectateurs pendant près de 150 ans. Si cette pièce est peut-être la création la plus célèbre de Whistler, ce n’est pas la seule chose qui mérite d’être connue de l’artiste ; son histoire personnelle comprend des maisons à l’étranger, des conflits avec des amis et même un combat de paons.

Vous voulez en savoir plus sur ce peintre ? Voici cinq faits sur James McNeill Whistler.

Il a développé un intérêt pour l’art alors qu’il était un jeune garçon vivant en Russie.

James McNeill Whistler Portrait

William Edward Kilburn, Daguerréotype de James McNeil Whistler, ca. 1847-1849 (Photo : Wikimedia Commons Public domain)

En 1834, James Abbott McNeill Whistler est né à Lowell, dans le Massachusetts – une ville qu’il reniera plus tard. « Je naîtrai quand et où je le voudrai, et je ne choisis pas de naître à Lowell », a-t-il déclaré en 1877. Bien que le rejet de son lieu de naissance puisse sembler étrange, Whistler a mené un style de vie international dès son plus jeune âge. Après avoir déménagé dans le Connecticut en 1837, sa famille s’installe à Saint-Pétersbourg, en Russie, alors que Whistler n’a que 8 ans.

Pendant son séjour à Saint-Pétersbourg, Whistler découvre et développe ses talents artistiques. Après deux ans à l’Académie impériale des arts, il déménage avec sa mère à Londres, où il étudie la photographie et l’art de manière informelle sous la direction de son beau-frère. Alors que tout laissait présager une carrière artistique réussie, les plans de Whistler changent en 1849 : son père, un ingénieur réputé, meurt du choléra et sa famille retourne dans le Connecticut.

Il envisage de devenir ministre, de s’engager dans l’armée et de travailler comme cartographe avant d’étudier l’art à Paris.

Carte de James McNeill Whistler

James McNeill Whistler, Carte de l’hémisphère occidental (issue d’un carnet de croquis), 1851 (Photo : Metropolitan Museum of Art Domaine public)

Après la mort de son mari, la mère de Whistler inscrit son fils dans une école préparatoire dirigée par un révérend. Alors qu’elle espérait que cela le mènerait à une carrière dans le clergé, Whistler passe son temps à dessiner des caricatures et finit par entrer à l’école militaire – qu’il abandonne peu après.

Par la suite, Whistler travaille comme cartographe militaire et maritime. Si ses œuvres habilement dessinées étaient prometteuses, il les rendait presque toujours en retard. Il avait également l’habitude de remplir ses cartes de sirènes, de monstres marins et d’autres créatures mythiques, ce qui a fini par lui coûter son emploi.

Après ces projets ratés, il a décidé de faire de l’art son métier. En 1855, il s’installe à Paris, où il étudie l’art (à la fois dans un cadre académique et par ses propres moyens). Bien qu’il ait passé ses trois premières années dans la capitale française à vivre dans la décadence et à ne pas réussir, Whistler commence à prendre sa pratique au sérieux en 1858, lorsqu’il rejoint le cercle social du maître réaliste Gustave Courbet.

Il donne à ses tableaux des titres inspirés de la terminologie musicale.

Tableau de James McNeill Whistler

James McNeill Whistler, « Nocturne en noir et or : la fusée qui tombe », 1875 (Photo : Wikimedia Commons Public domain)

Au cours des dix années suivantes, Whistler se fait connaître à Paris et à Londres (ville où il s’installe en 1859) avec ses peintures tonales. Servant simplement d’études de couleurs et dépourvues de significations sous-jacentes, ces œuvres illustrent l’intérêt de Whistler pour la création d’un « art pour l’art ». Cette approche détachée de l’art est l’une des choses pour lesquelles on se souvient de l’artiste, ainsi que sa tendance à donner des noms musicaux aux tableaux.

« Nocturne », « harmonie » et « symphonie » ne sont que quelques-uns des termes que Whistler a choisi d’inclure dans ses titres. Inspiré par la conviction que « la musique est la poésie du son, et que la peinture est la poésie de la vue, et que le sujet n’a rien à voir avec l’harmonie du son ou de la couleur », l’artiste a commencé à donner des titres lyriques à ses tableaux au début des années 1870, l’Arrangement en gris et noir n° 1 étant l’un des premiers exemples et l’un des plus célèbres.

Il existe un Arrangement en gris et noir n°2.

Mère de Whistler's Mother

James McNeill Whistler, « Arrangement en gris et noir n°2 ».No. 1″, 1871 (Photo : Wikimedia Commons Public domain)

L’arrangement en gris et noir No. 1 est un portrait de la mère de l’artiste, Anna McNeill Whistler, qui avait 67 ans. Il a été achevé en 1871, cinq ans après que la mère de Whistler ait décidé de le rattraper à Londres.

En plus de montrer l’approche de Whistler en matière de couleur, qu’il a explorée à travers la forme et la composition, ce tableau austère illustre également la perception de l’artiste vis-à-vis de sa mère pieuse, dont la présence à Londres – qui était jusqu’alors le cadre de son style de vie bohème – a été décrite comme un  » trouble général  » dans une lettre adressée à son collègue et ami Henri Fantin-Latour.

Avec sa composition basique, son sujet banal et sa sombre palette de couleurs, de nombreux contemporains de Whistler ont critiqué l’œuvre. Cependant, pour Thomas Carlyle, historien, satiriste, philosophe et mathématicien écossais, ce sont ces mêmes qualités qui l’ont rendu mémorable. Cela l’a conduit à commander à Whistler un Arrangement en gris et noir n° 2, un portrait très similaire mettant en scène Carlyle.

Arrangement en gris et noir n° 2. 2

James McNeill Whistler, « Arrangement en gris et noir n°2 », 1873 (Photo : Wikimedia Commons Public Domain)

« Il a aimé la simplicité, la vieille femme assise avec les mains sur ses genoux, et a dit qu’il serait peint », a expliqué Whistler. « Et il est arrivé tôt un matin, et s’est assis, et j’avais la toile prête, et mes pinceaux et ma palette, et Carlyle a dit : « Et maintenant, mon, tire ! »‘

Sa vie était pleine de conflits et de luttes.

La salle du Paon

La salle du Paon (Photo : Wikimedia Commons CC BY-SA 2.0)

Alors que la collaboration de Whistler avec Carlyle s’est avérée fructueuse (Arrangement en gris et noir n°2 est l’un de ses portraits les plus importants), les relations n’étaient pas bonnes pour lui. En fait, il s’est souvent disputé – et a même cessé de parler – avec ses amis et ses collègues artistes. Parmi les exemples célèbres, citons Courbet (qui a fait sensation en peignant la mariée de Whistler nue en 1864), William Merritt Chase (qui a qualifié Whistler de « véritable tyran ») et le critique d’art John Ruskin (que Whistler a poursuivi en justice pour diffamation après avoir comparé son art à « jeter un pot de peinture au visage du public »).

Cependant, la querelle la plus tristement célèbre de Whistler a eu lieu avec Frederick Richards Leyland. Leyland, un magnat anglais de la navigation, possédait une collection prolifique de porcelaine chinoise. Dans les années 1870, il a demandé à l’architecte Thomas Jeckyll de concevoir et de créer une pièce dans sa maison londonienne pour exposer ces objets. Cependant, lorsque Jeckyll a commencé à avoir des problèmes de santé alors que Reyland n’était pas en ville, Whistler a été invité au projet, et immédiatement tous les plans précédents ont été abandonnés.

« Eh bien, j’ai continué à peindre », se souvient-il. « J’ai continué, sans dessin ni esquisse, mettant chaque touche si librement… Et l’harmonie en bleu et or se développant, j’ai tout oublié dans ma joie. » Cependant, lorsque Leyland a appris les libertés que Whistler avait prises, il n’a pas partagé cette joie. En fait, il a refusé de payer Whistler en totalité. Whistler, à son tour, a répondu en ornant la pièce d’Art et d’Argent ; ou l’histoire de la pièce, une peinture murale symbolique avec deux paons qui se battent.

Partie de la collection de la Smithsonian Institution depuis 1906, la pièce des paons est désormais accrochée à la Freer Sackler Gallery de Washington, où elle reste la star de la collection et, à plus d’un titre, un symbole de la vie et de la carrière de Whistler.

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